Torna in circolazione (non rimasterizzatato: “Suona ancora dannatamente incredibile”) il magnum opus di Jason Pierce e dei suoi Spiritualized. Ladies and Gentlemen… (che suona effettivamente così) è una bestia strana: un disco denso, psichedelico, stratificato, sperimentale anche, che muove però dall’utilizzo e dal fascino di strumenti base del rock: la ballata, il coro gospel, il ritornello, la ripetizione, il cuore spezzato. Le 12 canzoni (compresa la conclusiva odissea Cop Shoot Cop, venti minuti di melodia e distorsione) dipingono un orizzonte ambizioso e avvolgente: non un disco di rock alternativo vestito a festa, piuttosto un lavoro definitivo, un punto fermo, mai sorpassato dallo stesso Pierce negli anni a venire. Ristampa o meno, recuperarlo è cosa buona e giusta. (Marco Sideri)

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Quando si comincia ad entrare in contatto con la musica rock a Tucson, Arizona, è gioco-forza che le corde della chitarra vengano sfiorate dalla polvere rovente del deserto. E’ probabile che l’iconografica sabbia-sole-luce con cui spesso si tenta di visualizzare certe atmosfere musicali, sia inadeguata o maldestramente sintetica. Tuttavia, le suggestioni ancestrali ed evocative del paesaggio che li circonda, lasciano tracce profondissime nella formazione artistica dei giovani musicisti che, nei primi anni ottanta, si affacciano al mondo discografico. Howe Gelb e compagni non fanno eccezione. Affascinati dal song-writing di Bob Dylan e Neil Young, e dalla grande rivoluzione psichedelica degli anni sessanta, i Giant Sand raggiungono con invidiabile precocità una solida dimensione artistica, già a partire dall’affascinante secondo album Ballad Of Thin Line Man, ma sarà The Love Song a creare un notevole consenso intorno alla band. Oltre al supporto della fedele bassista Paula Jean Brown, Howe Gelb può ora contare sul contributo del tastierista dei Green On Red Chris Cacavas e del batterista John Convertino. Il sound dei Giant Sant Sand diventa più corposo e profondo: alla dimensione acustica degli album precedenti si affianca un dinamismo inedito e quanto mai destabilizzante. Raramente, in passato, Gelb aveva raggiunto picchi creativi elevati come in Wearing The Robes Of The Blue Bible, Mountain Of Love e Almost Politicians Wife. Si tratta di canzoni che, sul piano lirico e sonoro, rasentano la perfezione ed hanno una forza evocativa che le rende davvero memorabili. Da ascoltare con attenzione anche la versione di Is That All There Is di Leiber e Stoller. I Giant Sand la riadattano come un abito cucito su misura per il loro sound. Nel CD, troviamo anche una bella cover di Get Ready di Rare Earth, che nell’originale versione su vinile non compare. (Ida Tiberio)

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Arrivato da Bristol a Londra da poco più di un anno e mezzo, il ventiduenne pianista Keith Tippet ha avuto subito modo di farsi notare: con i King Crimson, in “In The Wake Of Poseidon” e “Lizard”, con un entusiasta Robert Fripp che gli chiede, inutilmente, di unirsi regolarmente alla formazione; e con un album inciso nel 1970, “You are here, I’m there” insieme a Elton Dean al sax, Marc Charig alla cornetta, Nick Evans al trombone, Jeff Clyne, e Alan Jackson. Aggiungendo ai primi tre Robert Wyatt, Bryan Spring e Phil Howard alla batteria, Tony Uta alle congas, Roy Babbington e Neville Whitehead al basso e Gary Boyle alla chitarra, Tippett offre una personalissima rilettura del rock-jazz, innervata dal suo pianismo di chiara estrazione free. Il risultato è un incontro tra Soft Machine e Cecil Taylor, con gli arrangiamenti di George Russell. Se l’album si apre e si chiude con due brani - "This Is What Happens" and "Black Horse" – di grande impatto ritmico e esaltante fruibilità, una big band che marcia a cento all’ora e non disdegna funk e atmosfere latine, nei restanti cinque titoli a prendere il sopravvento è il lato più avanguardistico dell’ensemble. L’entusiasmante “Thoughts to Geoff” con un assolo impeccabile di Tippett, la dolente “Green Orange Night Park”, le strutture aperte di “Gridal Suite” e “Five After Dawn”, i trentadue secondi della canzone di Hugh Hopper che dà titolo all’album, rilettura per soli fiati di un brano del secondo album dei Soft Machine, fanno di questo disco un vero classico del genere. Con l’invidiabile particolarità di non appartenere ad alcun genere. (Danilo Di Termini)

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Salutato al tempo della pubblicazione come album-ponte fra Inghilterra e America, fra folk e country, L.A. Turnaround ebbe la sfortuna di venire prima dimenticato (il calo d’interesse per il folk, l’ascesa del punk) e poi di scomparire del tutto dalla circolazione, al punto che l’autore stesso l’avrebbe ricomprato una trentina d’anni dopo solo grazie a un’asta on-line. Ora che il folk è di nuovo trendy, il lavoro conosce la sua prima ristampa in cd e le recensioni sono entusiaste come quelle di 35 anni prima. Dunque, ci dev’essere qualcosa di speciale in questo L.A Turnaround, primo dei tre dischi incisi da Jansch per la Charisma (all’epoca nota soprattutto come l’etichetta di Genesis e Van Der Graaf Generator). Intanto va citata la perfetta integrazione fra l’intensità delle composizioni e la sommessa, quasi trattenuta performance vocale di Jansch; perfetta è poi la sintonia fra la magistrale, ma anche qui senza eccessi, chitarra acustica e blues-barocca di Jansch e la pedal steel linearmente americana di O.J. ‘Red’ Rhodes. Infine va citata la sobria e nitida produzione dell’ex Monkee Mike Nesmith che regala al lavoro l’ampiezza sonica dei suoi dischi con la First National Band (di cui Rhodes era componente). I pezzi scritti da Jansch sono tutti di commovente bellezza, naturalmente malinconici (One For Jo, There Comes a Time) ma pervasi da una sostanziale serenità (Fresh as A Sweet Sunday Morning, Travellin Man). L’unica eccezione è rappresentata dalla straziante Needle of Death, già presente sul primo, eponimo, album di Jansch (1965) e appena inferiore all’originale (si tratta di una delle prime canzoni in assoluto a parlare dei disastri provocati dall’eroina). Quasi altrettanto belli, ma forse più ovvi, sono i brani tradizionali, registrati come gli altri in una casa della campagna inglese, e rimpolpati dalle sovrincisioni californiane di brillanti strumentisti come Klaus Voorman e Byron Berline. Insieme a L.A Turnaround sono stati ristampati anche il poco riuscito esperimento westcoastiano Santa Barbara Honeymoon (1975) e il più centrato e molto londinese A Rare Conundrum (1977) (Antonio Vivaldi)

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Cresciuto ascoltando Bob Dylan, Rolling Stones e Jimi Hendrix, William Borsay da Stamford, Connecticut, dopo i primi concerti nel tempio del punk newyorchese, il CBGB’s, alla guida del gruppo Mink DeVille, nel 1977 pubblica il suo primo lp, "Cabretta", prodotto da Jack Nitzsche e Phil Spector, in cui convivono il rock’n’roll bianco e l’anima nera della Stax. Quando nel 1983, con “Where Angels Fear to Tread”, arriva anche il condimento in salsa tex-mex di "Demasiado Corazon", cui seguirà nel 1990 il tuffo a New Orleans di “Victory Mixture”, registrato insieme a Dr. John e Allen Toussaint, Willy DeVille (il nome che ha adottato dal 1987), ha finalmente concluso la ricerca del terreno nel quale affondare le radici della sua musica. Così, nel 1993, dopo otto dischi, arriva il “Live”registrato tra il Greenwich Village e l’Olympia di Parigi, insieme ad una band con tanto di cori e fiati. Nell'album convivono i Velvet Underground e i Drifters di Ben E. King (in “Spanish stroll”, ma c’è anche una cover di “Stand by me”), l'amato Hendrix con la versione 'mariachi' di "Hey Joe", i favolosi Fifties con "Heart and soul" e “Lilly's Daddy's Cadillac”. E quando in "Heaven stood still" decide di graffiare il cuore con la sua voce sgraziata e struggente, si fa accompagnare da violino e pianoforte, per una ballad in puro stile Tom Waits. Entusiasmante e commovente, come solo pochi rocker riescono ad essere. (Danilo Di Termini)

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Sono tre i soggetti da cui si deve partire per dire dei Vaselines, duo scozzese e, come si dice, seminale. Eugene Kelly e Frances McKee, innanzitutto, che sono i Vaselines. Ma di loro parleremo dopo. Il terzo scozzese non lo è affatto, si chiama Kurt Cobain. È infatti grazie a Kurt che i Vaselines sono presenti in milioni di case, anche se il loro nome non dice nulla ai più. I Vaselines erano il gruppo preferito del musicofilo Cobain. E lui, come tributo, ha inciso con i Nirvana Molly’s Lips, Son Of A Gun e Jesus Wants Me For A Sunbeam. Rendendo le canzoni famose, e resuscitando il gruppo dall’aureo dimenticatoio in cui, dopo qualche EP e un solo album lungo, era caduto. Oggi “Enter…” ci permette di ascoltare, in due CD, tutti ma proprio tutti i Vaselines, ogni singola nota incisa. Un’occasione, permettete, da non perdere. Per (ri)partire dobbiamo spostarci a Glasgow, metà anni 80. La città esplode di musica indipendente: Jesus And Mary Chain, Orange Juice, Pastels. Eugene e Frances scrivono canzoni semplici, melodie pop, e le cantano insieme, accompagnati da uno scarno sfondo di chitarra elettrica cui sulla via si aggiungono batteria e basso, ogni tanto. Sembrano canzoni pop anni 60, ma sono eseguite con l’approssimazione essenziale del dopo punk. Ascoltarle tutte in fila è stupefacente: sono insieme dolci e spinose, da fischiettare sotto la doccia e apprezzare in profondità. Sono casalinghe e a loro modo rivoluzionarie. Dopo due EP, esce l’album “Dum Dum” e il suono si ispessisce verso spigoli rock, ma le melodie restano saldamente al comando e l’effetto è delizioso. Poi più nulla. Fino a Seattle e alle ristampe e le lodi. Ma quella è una storia che sappiamo già. (Marco Sideri)

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Nei primi anni settanta, la scena musicale di New York è dominata dalle scaglie magnificamente impazzite dei Velvet Underground (in particolare Lou Reed e John Cale) e dalla teatralità graffiante di David Johanson e Johnny Thunder, artefici delle New York Dolls. La trasgressione, l’estetica eccentrica delle drag-queens e la poetica oscura dei bassifondi sono la cifra stilistica dominante in città. A ben vedere, queste sonorità sembrano anticipare l’ondata punk che, nell’arco di un paio d’’anni, sarebbe arrivata dalla Gran Bretagna, travolgendo ogni dogma artistico. Nel generale clima di sovversione, tuttavia, si fa strada una band colta, rassicurante, squisitamente pop; un’autentica anomalia sonora chiamata Steely Dan. Donald Fagen e Walter Becker, ex compagni di college, sono l’anima di un progetto artistico alquanto raffinato e in netta controtendenza rispetto ai tempi. Eppure, gli Steely Dan sono destinati ad ottenere un grande successo. Il loro album d’esordio contiene un hit single di portata internazionale come Do It Again, ma è soprattutto Pretzel Logic, terza prova discografica, a dare la misura delle grandi potenzialità artistiche della band. Qui, l’armonia tra sonorità pop, funky e jazz degli Steely Dan, raggiunge l’apice stilistico e rivela il gusto melodico davvero straordinario del duo Fagen- Becker. E’ difficile, ad esempio, non inserire Rikkie Don’t Lose That Number tra le canzoni più memorabili di quegli anni ; il piano sincopato che lascia spazio a una soffice linea melodica pop è, ancora oggi, di una bellezza inarrivabile. Ed è altrettanto evidente che brani come Any Major Due Will Tell You e Barrytown fanno parte, a pieno titolo, delle migliori composizioni degli Steely Dan, il cui nome prende spunto da un personaggio del Pasto Nudo di William Burroughs. Che dietro tanta pacatezza a si celi, dunque, un’anima inquieta? (Ida Tiberio)

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Per il ragazzo del sud approdato a New York in cerca di fortuna artistica, i tempi delle esibizioni nei sottopassaggi della metropolitana sono ormai tramontati. I tardi anni settanta, infatti, regalano al giovanissimo Steve Forbert un contratto discografico e una serie di importanti gratificazioni artistiche. Il suo nome viene spesso accostato a quello di Elliott Murphy, Jack Hardy o Willi Nile (tra i più importanti song-writer urbani dell’epoca) e il suo primo album, Alive On Arrival, riceve il beneplacito della critica specializzata. Tuttavia, la popolarità, quella vera e solida, arriva grazie alla seconda prova discografica: Jackrabbit Slim. In quest’album, impeccabile sul piano degli arrangiamenti e di notevole impatto emotivo, Steve Forber dà un’eccellente prova della sua sensibilità d’autore e affina al massimo la propria vocalità. La discendenza ideale da un maestro indiscusso come Bob Dylan appare evidente, ma il cantautore mostra una personalità artistica alquanto autonoma e complessa. La copertina di Jackrabbit Slim mostra un giovanotto imberbe e sorridente che imbraccia una chitarra acustica e indossa un giubbotto di cuoio; perfetta sintesi iconografica dell’essenza folk e delle venature rock che animano le ballate dell’album. Il brano d’apertura è il celebre Romeo’s Tune, dedicato alla memoria di Florence Ballard delle Supremes, intenso e avvolgente quanto basta per diventare un hit-single di portata internazionale. Ma Jackrabbit Slim contiene almeno altre tre ballate memorabili: Say Goodby To Little Jo( altro singolo di successo), Make It So Real e la splendida January 23.30 1978, in perfetto equilibrio tra cronaca, intimismo e poesia. La carriera di Steve Forbert, a questo punto, sembra proiettata verso un brillante futuro. Le cose non andranno esattamente secondo le previsioni, ma nulla scalfisce il talento di questo song-writer genuino e strenuamente avulso dal glamour che spesso abbaglia il mondo del rock. (Ida Tiberio)

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Schiantati gli Auteurs in mezzo alle recriminazioni (soprattutto sul fatto che il pubblico non sia stato capace di capirli e celebrarli come si deve), Luke Haines fonda i BBR insieme a John Moore (già Jesus And Mary Chain) e la cantante Sarah Nixey nel 1998; rinuncia risentito ad occupare il centro del palco e si dedica solo alla chitarra, confermando tuttavia con le dodici canzoni dell’esordio le caratteristiche della propria musica: essere pop, cattiva e inglese. Accanto a melodie magistrali, le parole (e il tono) delle composizioni tradiscono un cuore di tenebra, occupate come sono a cantare di naufragi, rapimenti, psicosi e devianze varie, beandosi, fin dal minatore glam della copertina, della propria decadente britannicità. L’effetto è straordinario: la voce della Nixey (metà ingenua eroina, metà strega cattiva) abita con disinvoltura e carisma le canzoni, mentre Haines e Moore, sotto, agghindano melodie da primo premio con trovate originali e classiche allo stesso tempo. L’iniziale Girl Singing In A Wreckage, Child Psychology e Wonderful Life, per citare le più evidenti, sono prova di un talento fuori dal comune: ballate dal passo medio (né svenevoli, né affannate) che conquistano fin dal primo incontro ma non stancano sulla lunga distanza. I BBR, nonostante l’alto potenziale melodico e l’indubbio impatto dei brani, non “sfondano”, rimanendo come d’abitudine per Haines nel limbo dei criticamente osannati. Prima di sciogliesi, i tre esaspereranno via via, la propria vena pop arrivando con l’ultimo Passionoia ad un pop sintetico maliziosamente anni ’80. Ma nel frattempo Luke Haines si è già reinventati baffuto e solista. E questa, come si dice, è un’altra storia. (Marco Sideri)

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Per diversi anni Kip Of The Serenes è stato soprattutto un vinile assai raro. Quanto al contenuto, se ne parlava come di disco che ricordava sin troppo la Incredible String Band. Un’accurata ristampa datata 2009 (con i pezzi riportati alla velocità corretta) solleva la nebbia del mistero e scopre un paesaggio piuttosto bello e meno ovvio del previsto. Certo, l’influsso di Williamson ed Heron è indiscutibile (anche per la presenza come produttore di Joe Boyd), ma occorre tenere conto del fatto che all’epoca l’hippie-folk era un trend importante; più o come ascoltare un gruppo odierno che cita Coldplay o Radiohead. Stabilito questo, va detto che la provenienza irlandese del trio rappresenta sicuramente un dato importante, soprattutto perché contribuisce ad addolcire gli spigoli sonori (non sarà così nel successivo Heavy Petting) e a dare a diversi pezzi un piacevole equilibrio fra solennità (Ship Of Fools) e ironia (Dr. Dim And Dr. Stange). Pur non possedendo i guizzi spiazzanti e i tocchi etnici dell’ISB, i Dr. Strangely Strange erano forse più rassicuranti e, in diversi momenti, più divertenti. Lo dimostra la lunga e finto-epica Donnybrook Fair, una sorta di suite bene articolata e dalle belle parti vocali che scatenò molte polemiche nell’Irlanda dell’epoca perché metteva in gioco, ad opera di tre disgraziati dai capelli lunghi, i miti fondanti del paese. Se questo era importante allora, quarant’anni dopo riascoltare un disco registrato quasi in presa diretta da quattro musicisti seduti in cerchio fa quasi antropologia e fa molta tenerezza. (Antonio Vivaldi)

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La passione per il cinema. Il desiderio sempre grande di “incontrare” l’America del mito. Una scommessa. Un viaggio un po’ matto. Una scoperta insperata.
Non la Spagna delle tapas e del flamenco o delle bisbocce estive. Abbiamo scommesso sulla Spagna dei deserti e delle location dei film western, gli “spaghetti western” (e non solo), ed è stata una rivelazione, un riuscitissimo esperimento di transportation of place.
Subito, quando il nostro aereo ha iniziato la discesa su Saragozza in un limpido pomeriggio d’inizio autunno, abbiamo capito che eravamo nel posto giusto. Dall’oblò non la solita campagna coltivata europea, ma qualcosa che, nei colori e nelle assenze, somigliava molto al deserto. Non esagero, mi ricordava un atterraggio ad Albuquerque, New Mexico. Così come, lungo la superstrada dall’aeroporto verso il centro, la veduta di una lunga mesa a chiudere l’orizzonte verso nord…
Il Western all’italiana
Uno dei fenomeni più studiati dagli storici del cinema. Un genere nato quasi per caso, su spinte esclusivamente commerciali, che dalla metà degli anni Sessanta per circa quindici anni ha riscosso un successo enorme ben oltre i confini europei, proprio in un periodo in cui il genere western sembrava essersi smarrito sui sentieri di Hollywood. Dopo l’incredibile e insperato successo di Sergio Leone con Per un pugno di dollari (1964), furono prodotti quasi 600 titoli, in gran parte da partnership italo-spagnole, pressoché tutti con un denominatore comune: basso budget e utilizzo di location in Spagna. Videro la luce i vari, spesso surreali e improbabili eroi come Django – che fece impazzire John Wayne e Jack Nicholson, che chiese al regista Sergio Corbucci di acquistarne i diritti per gli USA – Sartana, Sabata, Ringo, Garringo, i Fratelli McGregor, Cuchillo ecc., mentre Sergio Leone componeva la sua sinfonia western, con Per qualche dollaro in più (1965), Il buono il brutto e il cattivo (1966), Giù la testa (1971) e soprattutto il kolossal C’era una volta il West (1968), tutti accompagnati dalle ispiratissime musiche di Ennio Morricone.

I Monks paiono inventati apposta per essere ripescati da una ristampa a nuovo millennio inoltrato, quando oramai i “tesori nascosti” sono pari (nel numero e nell’interesse del pubblico che ancora compra dischi) alle novità discografiche. La loro storia, da sola, quasi giustifica il prezzo del biglietto. Tutto si consuma nel breve volgere di un paio d’anni: nel 1965 i 5 (non ancora) Monks sono militari americani di stanza in Germania. Finito di servire lo zio Sam, decidono di non tornare a casa e guadagnarsi da vivere suonando. Nel 1966 esce Black Monk Time. Nel frattempo, i 5 si rasano il cranio con una monacale chierica e suonano dal vivo. Nel 1967, i Monks già non esistono più: sciolti, andati. Non pubblicheranno mai un secondo album. Ma il primo, senza fretta, diventa un piccolo caso. Musicalmente, si parla di garage rock (elettricità, organo, cantilene semplici, un banjo elettrico a sparigliare le carte) ma, sarà la lontananza da casa dove tutto avveniva, sarà l’ispirazione storta, il garage rock dei Monks è una bestia strana: ipnotico, scontroso, legato più all’atmosfera che alla melodia; è musica maleducata e, a suo modo, perfettamente compiuta. Di successo, ovviamente, neppure l’ombra, ma BMT attraversa le mode e le ere (musicali) come un graal non proprio santo: Mark E Smith dei Fall si professa a più riprese un fan(atico), un recente tributo vede schierati tra gli altri Alan Vega (Suicide), Mouse On Mars e Jon Spencer, il gruppo stesso esce dall’oblio negli anni ’90 e ricomincia a suonare in giro per il mondo. Questa (ultima) ristampa termina il lavoro cominciato oltre 40 anni fa: trovare ai Monaci un posticino nell’empireo del rock. I tempi forse sono maturi. (Marco Sideri)

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Esattamente trent’anni fa nasce a Coventry, in una situazione di degrado e scontri razziali, la formazione storica degli Specials: Terry Hall (voce), Neville Staple (voce e percussioni), Lynval Golding (chitarra), Roddy Byers (chitarra), Horace Panter (basso), Jerry Dammers (tastiere) e Joan Bradbury (batteria). Sempre nel 1979 esce il loro primo album omonimo prodotto da Elvis Costello. Le intenzioni del gruppo sono chiare: una combinazione di ska, reggae e punk che ne faranno una delle band più rappresentative del periodo. The Specials conteneva varie cover perfette e brani inediti tutti in linea con lo stile del gruppo, arrivando immediatamente ad un grande successo di pubblico, grazie anche a trascinanti concerti caratterizzati da una straripante vitalità. Il disco si apre con una rivisitazione, diventata storica, di A Message To You Rudy di Dandy Livingstone per arrivare all’intramontabile Monkey Man dei Maytals. Riconoscibili anche per il loro impegno sociale nell’ambiente britannico dell’epoca, tra i pezzi più riusciti dell’album troviamo la composizione originale Too Much Too Young che suscitò scandalo per il tema del brano (ragazze madri e contraccettivi). L’album si distingue anche per l’incredibile versatilità musicale ed armonica oltre che per la contaminazione tra generi. Tra scoglimenti e reunion gli Specials hanno continuato a portare avanti il discorso iniziale non raggiungendo più il risultato epocale del debutto, nonostante More Specials, secondo disco, contenga brani che sono rimasti nella memoria dei fan. (Mauro Carosio)

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Se i ‘grandi’ del settore sono, per acclamazione, Nick Drake e John Martyn, i cantautori britannici di ascendenza folk ad avere conosciuto il vero successo commerciale (ovvero a vendere molti dischi in America) sono stati Gerry Rafferty e Al Stewart. Per entrambi si trattò in verità di successo effimero e legato quasi solo a una canzone, Baker Street nel caso di Rafferty e Year Of The Cat in quello di Stewart. Ma mentre il primo (di recente ritornato a far parlare di sé causa la fuga da un ospedale dov’era in cura per eccessi alcolici) ) va considerato artista piacevolmente minore, il secondo merita considerazioni più articolate. Delicato melodista d’indole malinconica in sintonia con la parte più meditativa del suono Fairport Convention, Stewart comincia a farsi notare con il secondo album Love Chronicles (1969), lavoro a tema sulle molte sfaccettature dell’amore che suscita interesse e anche un po’ di scandalo per la presenza in un testo della parola ‘fuck’ (peraltro disinnescata da ogni volgarità dalla caratteristica pronuncia gentile dell’autore). Dopo un paio di lavori interlocutori, Stewart trova nuova ragion d’essere autoriale grazie a Past, Present & Future (1973), dove mette in musica il suo interesse per la storia del Novecento e abbandona in parte i modi gentili nella torrenziale Nostradamus (ovvero tutte le centurie in dieci minuti). Passati due anni, Stewart dà alle stampe il miglior album della sua carriera, Modern Times.

Il periodo iniziale della carriera della ‘Queen of Soul’, dai suoi esordi gospel a soli quattordici anni nel 1956 fino al decisivo incontro con l’etichetta Atlantic nel 1967, è sempre stato considerato di scarso interesse. Una decina di dischi con un’interprete immatura, ancora titubante tra gospel, jazz e rhythm and blues, fortemente influenzata da un’altra ‘regina’ di nome Dinah Washington. Tutto vero; ma poi la Columbia ristampa un’antologia di tre cd e tocca rivedere ogni giudizio, anche alla luce dell’ascolto delle cantanti che ai giorni nostri se ne contendono l’eredità. Quella che allora sembrava indecisione, oggi suona come una straordinaria versatilità, con una voce capace di toccare tutte le corde del soul, dal divertimento alla commozione (non a caso uno dei dischi si chiamava “The Tender, The Moving, The Swinging Aretha”) e coinvolgere inesorabilmente l’ascoltatore. Ci sono gli esordi, accompagnata dal combo di Ray Bryant (pianista che aveva già accompagnato Davis e Rollins) con il quale cesella una “It ain’t necessarily so” che non avrebbe lasciato indifferente Jimmy Sommerville anni dopo. C’é il repertorio dell’amata Dinah in un tributo del 1964 con una rispettosa “What a difference a day makes”, c’è uno sguardo al passato con “God bless the child” di Billie Holiday e uno al futuro con “Walk on by” di quel Burt Bacharach alla cui musa Dionne Warwick ruberà per sempre "I Say a Little Prayer". L’unica pecca di questo box, venduto a soli 14,90 euro, è la mancanza di un libretto degno: peccato non segnalare che al pianoforte in “Hard times” c’è proprio lei, Aretha, unica e inarrivabile. (Danilo Di Termini)

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Anni fa l'esordio di Jim Carroll era un obbligo per ogni best of degli anni '80: nonostante i suoi libri siano stati tradotti solo ad anni '90 inoltrati anche da queste parti si era perfettamente coscienti dell'importanza di Carroll e dell'alone di fascino di una figura simile (fosse solo per la biografia travagliata e selvaggia). Ho usato il passato perché sembra non sia più di moda citare questo disco, sparito, se non in qualche rara occasione, e nemmeno il film tratto dai “Basketball Diaries” servì a risollevare la curiosità sulle sue incisioni. Perché riscoprire questo Catholic Boy quindi? Perchè è un disco di grandi, grandissime canzoni, con le dure “Wicked Gravity”, “People Who Died” e “It's Too Late” e l'intensa “City Drops Into The Night” (la prima e la terza sintonizzate sulla “Radio Ethiopia” della Smith e sull'Iggy solista, la seconda che guarda ai Ramones e la terza che sa di Springsteen metallizzato, col sax di Bobby Keys a rendere il tutto più credibile) le migliori, ma qui la qualità è alta e su dieci pezzi non se ne trova uno che sappia di riempitivo. Carroll ha una voce diversa dal solito, strafottente ma ipnotica e la sua band (con ospite in un paio di pezzi il Blue Oyster Cult Allen Lanier alle tastiere) lo accompagna senza prevaricarlo pur lanciandosi in una serie di pezzi incalzanti, decisi, eppure allo stesso tempo incredibilmente melodici. Quando si arriva al riff cattivo della title track ci si ritrova a ridare inizio all'ascolto senza quasi pensarci: è un disco di cui ci si stanca difficilmente, e se anche si arriva alla saturazione si può sempre dedicare ai testi, tra i migliori mai apparsi su un disco, degni di questo raro caso di poeta in fondo solo di passaggio sui palchi rock. (Giulio Olivieri)

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